作品

紫舟が目指す書とは、作品を飾るだけで、そこに書かれた言葉の意味の恩恵が溢れだす書。 日本には「言霊」という言葉がある。古来より人は、言葉には霊力が宿ると信じてきた。ことばの魂を文字に宿すためには、「人の心に届く」を超えて、「神仏へ捧げる」覚悟を以て、その書と向き合わなければならないと考えています。不便は精神性を高める。あえて情報を遠ざけ、利便性を制限し、自らに不便を課す。制作を行う際には、都会を離れパソコンや携帯電話の電源を切り、筆先に集中し、ただ書だけと向き合う。日々の暮らしにも自らに節制を課し、集中力を高めるため僧侶と同じように精進食をいただく。すべては、書き上げた書一枚から、言葉の恩恵が尽きることなく溢れ出す境地に辿り着くために。

西洋の油画では、幾千幾万も筆で塗り重ねて背景やメインモチーフを構築し完成に至る。日本画や書は、背景をあえて描かず空間を残し「余白」を美として尊んできた。しかしその簡潔さは、西洋絵画の価値基準では「未完成」と捉えられることもある。そこで紫舟は、伝統的な余白にあえて手を加える挑戦をはじめた。人間国宝が漉いた和紙に、幾度も筆を重ねて背景を構築。それまで「何もない空間」であった余白を、深い「余韻」を宿す空間へと変容させた。そこに、伝統技法を応用しながら独自に調合した墨で線を引く。すると、わずかひと筆に幾重もの筆致が凝縮されたかのような奥行きのある表現が生まれる。余白の美を感じさせながら背景に強度と存在感をもつ新たな書の境地である。西洋絵画の構造と東洋の精神性を融合させ、東西の現代空間に響く、新たな「美」が誕生した。

日本画では、背景の描きこみがない/手数の少ない余白は、遠くにある空間を感じさせる。一方で、西洋絵画では、幾千と絵の具を塗り重ねより手数が多く盛り上がった背景が、遠くにある奥行きを生み出す。この日本と西洋の「描き方」と「遠近表現」の逆転は、日本美術と西洋絵画を隔てる大きな壁の一つであり、日本の表現物がヨーロッパで理解されがたい障壁である。さらに、日本美術が尊ぶ「余白」も、西洋絵画の基準では未完成を意味することが多い。紫舟は、この東西の美意識の隔たりを書で超えるため、「背景を描かない」日本の伝統をあえて“破”り、背景そのものを構築した。ルネサンス期に用いられていた黄金背景地の技法を踏襲し、作品全体に層を重ね上げる。さらに、西洋画の持つ堅牢さを取り入れるため、墨と金・銀・硫黄の四つの要素を融合。そして最後に、書の伝統文化から“離”れるために、作品を焼く。 ひとつの作品に数か月の時間を費やし、古書をひもとき、失われた技法を探りながら、幾重にも層を重ねていく。日本の書の精神性を礎に、西洋絵画の技法を取り込み、最後に焼く工程をいれることによって、既存の書の概念を超えていく。こうして、新たな美の領域「異界の書」が生まれた。

文字を平面から解放し、立体へと昇華させた「書の彫刻」。 文字＝平面という常識を打ち破り、書の概念を覆した。 彫刻に光をあてると、そこに生まれる影もまた作品の主体となる。光の角度によって影は姿を変え、揺れ動きながら、言葉のもつ意味や感情を映し出す。漢字の起源をたどると、今から3300年前に誕生した「甲骨文字」に辿り着く。古代の人々が亀の甲羅やシカの骨を刻んだ文字。 紙が普及するはるか以前、文字は書くものではなく刻まれるものだった。 つまり、文字はもともと平面に書かれたものではなかった。文字が書かれ始めたのは、それから1300年後のことである。文字の歴史を遡り、その原点に立ち返ることで、平面から立体へ。文字の伝統を受け継ぎながらその概念を超え、日本の書の1300年史に、新たな書のアートが誕生した。

書家と筆が一体となって生み出す、流れ、呼吸、リズム、奥行き、そして時間軸までもを立体彫刻として可視化した作品。彫刻は、筆圧の強い部分ほど奥にゆき、筆が紙に軽く触れている所ほど手前にくる。一筆で描かれた線は、起伏をもつ一本の彫刻へと姿をかえる。「書のキュビズム」は、書の文化を知らない人にも、平面の書が持つ奥行きや筆遣いを直感的に伝える新たな表現手法である。そして、書家が一瞬一瞬に刻んだ筆の軌跡は、立体となって永遠に留められる。鑑賞者は、書家が筆を運んだ時間を何度でもたどり、その呼吸や躍動を追体験することができる。書くという一瞬の行為を、永遠に鑑賞できる芸術。

書をガラスで立体化し、光によって色彩を生み出す「光の書」。透明なガラスの文字を中空にし色水で満たし光を当てると、文字が落とす影は、鮮やかな色彩となって空間に現れゆらぎをもたらす。文字そのものに色を塗るのではなく、光を通すことで色彩を生み出す。光の角度や強さによって、文字の表情は刻々と変化し、時とともに異なる美しさを映し出す。従来の書が墨によって紙に文字を定着させる芸術であるならば、「光の書」は、光によって空間に文字を描く芸術である。

日本には古来より、絵と文字がひとつの画面に共存し、響き合う「書画」の伝統がある。

その傑作のひとつが、江戸時代の「鶴下絵三十六歌仙和歌巻」（書：本阿弥光悦／絵：俵屋宗達）である。流れるように配置された筆文字を目で追うと、その動きは鶴が飛び立つ姿と重なり、画面全体に躍動が生まれる。こうした文字と絵が一体となる日本の伝統的な表現は、日本が誇るマンガ文化にも影響を与えている。紫舟は、文字が絵の一部として調和することで生まれる視覚的な効果と、そこに宿る言葉の力に着目した。作品の中で絵と呼応するように配された書は、言葉の意味を伝えると同時に、世界一美しい日本語の造形美によって、作品に新たな物語を紡ぐ。文字は絵の一部となり、絵はことばを語りはじめる。

自然界に輪郭線は存在しない。しかし日本美術では、最も古い文化のひとつである「書」と共通する筆の線によって、人の姿や自然の形を捉えてきた。西洋絵画が「面」によって絵を描くのに対し、日本美術は「線」を引くことによって形を描いてきた。その象徴ともいえるのが、浮世絵の顔や姿を縁取る特徴的な黒の輪郭線である。ピカソやゴッホなどの西洋絵画にも影響を与えた線の美を、紫舟は独自の視点で再解釈する。かつて立体の空間を、線で平面に写し取った浮世絵を、 平面から解放する。 輪郭線を浮世絵からすべて抜き去り、代わりに紫舟が新たに筆を走らせた墨蹟は、立体彫刻の輪郭線となり、自由放埓に宙を舞う。 ある一点の視点から眺めると、絵と立体の輪郭線が重なり合い一枚の浮世絵が現れる。しかし違う角度に視点を移せば、輪郭線と絵の色彩がずれ、浮世絵版画の「版ずれ」を思わせる表情が生まれる。鑑賞者の動きによって、平面と立体、版ずれを行き来する作品。かつて浮世絵が立体を平面に写し取ったように、紫舟はその輪郭線を再び三次元の世界へと解き放つ。

不朽の名車が持つ造形美を、書家の墨蹟によって再構築したシリーズ。ルネサンス期に用いられた黄金背景の技法を取り入れ、幾重にも層を重ねた画面に、名車の重厚な存在感と、風を切る疾走感を描き出す。緩急自在の筆さばきが、西洋の流麗なフォルムに新たな息吹を与え、今にも走り出すかのような躍動を生み出す。無機質な機械の造形美と有機的な書の生命力が融合する。

未来の処方箋とは、アートの力で人間の内に眠る想像力を呼び覚まし、心身の回復と治療の力へとつなげていく、新たな医療の可能性への挑戦である。

人間の脳は、現実の体験だけでなく、鮮明に思い描いた想像にも反応する。例えば、梅干しを思い浮かべてほしい。口の中に唾液が拡がってくる。私たちは実際には梅干しを口にしたわけでも、目にしたわけでもない。ただ想像しただけ。體は確かに反応する。この力を医療に活かすことはできないだろうか。『未来の処方箋』が目指すのは、想像力によって、人が自らを癒し、治す力を引き出すこと。薬ではなく、処方するのは想像力。その処方箋に記されるのは、『アート』。日本の医療に、アートが処方される日を目指して。ようこそ、未来の病院へ。

古代の人々は、目の前で躍動する生き物や移ろいゆく自然の姿を、静止した形に写し取り、記号化することで象形文字を生み出した。以来3000年以上、文字の中に生命は封じ込められてきた。紫舟は、現代のテクノロジーの力で、その命を再び解き放つ。メディアアートの中の象形文字を人が触れると、文字に宿る生き物や自然が動き出し、デジタル空間で新たな生命と景色を創造する。自然は、恐れるものでも、支配するものでもない。人間もまた自然の一部であり、万物は相互作用を起こし影響し合いながら、共に生きる存在である。文字の原点に立ち返り、最先端テクノロジーによって、人と自然の本来の関係性を問い直す作品。伝統文化とテクノロジーの融合が、人と自然のつながりを照らし。豊かな未来への光明となる。

江戸時代、浮世絵の一種である「春画」は、庶民から上流階級まで広く親しまれ、日本独自の文化として発展した。紫舟の「春宮秘画」は、浮世絵の輪郭線を平面から解放し、書家が新たに引き直した墨蹟を立体彫刻の輪郭線へと再構築した作品。見る角度によって浮世絵版画の「版ずれ」が生まれ、ある一点から眺めたときにのみ絵と彫刻が重なり合い、秘められた像が姿を現す。江戸時代の人々が春画を密かに楽しんだように、鑑賞者だけがその姿を見いだす仕掛けである。日本では近代以降、「わいせつか、芸術か」という議論の中で、表現の制約を受けてきた。紫舟は、この長く続く不毛な議論に私たちの世代で終止符を打ち、次世代に自由で豊かな創作環境を手渡したいという志から、あえて挑んでいる。芸術とは、人々の常識や既成概念に「疑問」の種をまくもの。思考を拡張し、これまでの常識を超える新たな視座をもたらす。その瞬間こそが芸術の醍醐味であり、芸術家が存在する意義である。

企業やブランドが大切にする理念と、これまでの歩みや歴史、未来への願いを、紫舟自らが対話を通じて引き出し、その本質を目に見える形へと昇華させる。依頼者の想いと造形に矛盾が生じないよう、限りなく一致させていく。そのため既存の書にとらわれることなく、依頼者の期待を超え、想像を超えた表現を模索する。そしていつの時代でも「新しい」と感じる、唯一無二の本物のロゴを生み出す。

言葉に込められた想いや願いを、紫舟自ら依頼者と対話を重ね、その想いを形にする唯一無二の書を生み出す。制作過程では、複数の案を御覧いただきながら、対話をつづけ、幾度も筆を執る。時に500種類ものの試作を重ねた末に、最終的な一点へとたどり着く。筆は、吉野の筆職人に特注。紙は人間国宝岩野市兵衛和紙。墨は自身で書きたい表現に辿り着くためにブレンドを重ねる。さらに、書に高い精神性を宿すため、殺生した食べ物（肉）や酒を控え、自らに節制を課す。慣れや技巧に頼るのではなく、一筆一筆に全身全霊を注ぎ、言葉の奥にある想いを書に宿す。